Ellsworth Kelly: Farbe, Form und Raum
Eine klare Farbe, eine Kurve, der Rand einer Bildtafel: Bei Ellsworth Kelly genügen wenige Elemente, um unsere Wahrnehmung einer Wand oder eines Raums zu verändern. Die Einfachheit fällt sofort auf. Dann stellen sich Fragen. Warum wirkt dieser Umriss so gespannt? Wo endet das Werk? Was geschieht mit dem leeren Raum darum herum?
Der amerikanische Maler, Bildhauer und Zeichner Ellsworth Kelly (1923–2015) widmete sein Werk diesen Beziehungen. Seine Formen scheinen manchmal von jedem Gegenstand losgelöst, stehen aber in engem Austausch mit der sichtbaren Welt. Folgen wir zunächst dem Blick des Künstlers und dann dem Weg seiner Untersuchungen von der Malerei zur Skulptur und Architektur.
Ellsworth Kelly: Stationen seines Lebens
Kelly wurde am 31. Mai 1923 in Newburgh im Bundesstaat New York geboren. Er studierte am Pratt Institute, bevor er 1943 zur US-Armee eingezogen wurde und in einer Tarneinheit diente. Nach dem Krieg setzte er seine Ausbildung in Boston fort und lebte von 1948 bis 1954 in Frankreich. Er starb am 27. Dezember 2015 in Spencertown.
Die Chronologie seiner Stiftung dokumentiert diesen Werdegang und die Erfahrungen, die seine Arbeit prägten: Vogelbeobachtung, Zeichnen, Museen, romanische Kunst und Architektur. Frankreich bedeutet dabei mehr als eine Reihe von Begegnungen mit der Avantgarde. Kelly richtete seinen Blick auch auf Gebäude, Öffnungen und Formbeziehungen in seiner Umgebung.
Das verändert die Lektüre seiner Abstraktion. Eine reduzierte Komposition muss nicht aus einer geometrischen Formel entstehen, die im Atelier umgesetzt wird. Ausgangspunkt kann ein beiläufig entdecktes Fragment sein, das isoliert, versetzt und verwandelt wird. Das Werk bewahrt nicht unbedingt dessen Abbild; es hält eine Beziehung fest, die eigenständig wird.
Eine Abstraktion, die mit dem genauen Hinsehen beginnt
Eine Gebäudeecke, ein Blatt oder ein Schatten können eine besonders klare Form sichtbar machen. Kelly interessierte sich für die Möglichkeit, Vorhandenes anders zu sehen. Das Smithsonian American Art Museum betont die Bedeutung seiner Pariser Jahre und seiner Untersuchungen zu Form und Raum.
Seine Pflanzenzeichnungen machen diese Aufmerksamkeit für den Umriss nachvollziehbar. Sie gehören ebenso zu seinem Werk wie die Gemälde und Skulpturen. Die Werkauswahl der Stiftung versammelt unter anderem Blatt- und Blumenzeichnungen, Studien, Collagen und Fotografien: verschiedene Möglichkeiten, visuelle Beziehungen festzuhalten, auszuwählen oder zu verschieben.
Fragen Sie vor einem abstrakten Bild von Kelly weniger danach, was Sie erkennen sollen, als danach, was der Künstler bewahrt hat. Eine Kurve kann gewölbt oder zurückgehalten wirken; ein Winkel kann eine Fläche scheinbar kippen lassen. Solche Wahrnehmungseffekte lassen sich beobachten, ohne ihnen sofort ein allgemeingültiges Gefühl oder eine versteckte Botschaft zuzuschreiben.
Farbe, Umriss und Wand: drei Elemente im Zusammenspiel
Farbe als Fläche
In gestischer Malerei kann das Auge einer Pinselspur folgen und sich die Bewegung vorstellen, aus der sie entstand. Kelly lenkt die Aufmerksamkeit oft auf eine flächig gesetzte Farbe, ein Größenverhältnis oder eine Nachbarschaft. Ein monochromes Bild wirkt deshalb nie für sich allein: Größe und Position zählen mit.
Stellen Sie sich dieselbe blaue Fläche auf einer hellen Wand und anschließend neben einer roten Tafel vor. Die Farbe bleibt benennbar, ihre Präsenz verändert sich jedoch. Die geometrische Abstraktion untersucht solche Beziehungen; bei Kelly entstehen sie auch am Umriss des Bildträgers selbst.
Der Rand ist keine Nebensache
Der Begriff Hard-Edge bezeichnet eine Malerei mit scharfen Grenzen zwischen Formen oder Farbfeldern. Das Smithsonian zählt Kelly zu ihren Wegbereitern. Der Ausdruck beschreibt jedoch nur einen Aspekt seiner Bildsprache; er fasst weder sämtliche Verfahren noch sein gesamtes Werk zusammen.
Verlässt der Bildträger das übliche Rechteck, wird der Umriss besonders wirksam. Er ist nicht länger bloß die Grenze, die ein Bild einschließt: Er bestimmt unmittelbar mit, was wir betrachten. Die sichtbare Wand um die Tafel kann dann als ergänzende Form erscheinen.
Verbindungen zum Minimalismus
Mit manchen minimalistischen Künstlern teilt Kelly den sparsamen Einsatz von Mitteln und das Interesse an der körperlichen Präsenz der Werke. Ihn einer einzigen Kategorie zuzuordnen, würde jedoch Teile seiner Entwicklung verdecken. Der Minimalismus bietet einen hilfreichen Vergleich, solange wir zu den Werken und ihren Unterschieden zurückkehren.
Eine Fläche ohne Muster kann den Blick lange festhalten. Nicht die Menge der Details entscheidet über die Vielschichtigkeit einer Begegnung, sondern mitunter eine Proportion, ein Abstand oder ein veränderter Standpunkt.
Colors for a Large Wall: ein Raster aus vierundsechzig Tafeln
Das 1951 entstandene Werk Colors for a Large Wall vereint laut Sammlungseintrag des MoMA 64 quadratische Tafeln zu einer Gesamtfläche von 240 × 240 cm. Jede Tafel trägt eine gleichmäßige Farbe. Daraus folgt nicht, dass es vierundsechzig verschiedene Farben gibt: Einige wiederholen sich.
Das Raster schafft eine sofort verständliche Struktur. Innerhalb dieser Ordnung lassen die Farben den Blick wandern, ohne ein einziges Zentrum vorzugeben. Ein helles Quadrat kann zum Haltepunkt werden und sich anschließend in eine größere Gruppe einfügen, sobald die Aufmerksamkeit zu seinen Nachbarn wechselt.
In seiner One-on-One-Betrachtung des Werks erläutert das MoMA, dass die Anordnung anhand einer Collagestudie festgelegt wurde. Die Rolle des Zufalls bei der Erarbeitung bedeutet also nicht, dass sich die Tafeln später beliebig umordnen lassen. Die Komposition ist eine getroffene Entscheidung, kein Baukasten für wechselnde Hängungen.
Beginnen Sie beim Betrachten des Sammlungseintrags mit einem Quadrat und seinen Nachbarn. Kehren Sie anschließend zum Ganzen zurück. Dieser Wechsel zwischen Einheit und Gesamtheit eröffnet einen einfachen Zugang zu einem Werk, das zunächst ganz selbstverständlich erscheinen mag.
Wenn der Umriss in den Raum tritt
Creueta del Coll: eine Vertikale in der Landschaft
In Barcelona erhebt sich Creueta del Coll, 1987, im gleichnamigen Park. Die Ellsworth Kelly Foundation verzeichnet die knapp zehn Meter hohe Skulptur aus wetterfestem Baustahl als Auftrag der Stadt Barcelona.
Auf dieser Winteraufnahme von 2010 rücken Schnee und heller Himmel die Oberfläche der Skulptur optisch näher an ihre Umgebung. Die dunkle Kante hält die Ansichten dennoch klar auseinander. Äste verzweigen sich um eine durchgehende vertikale Form, die ihren vielen Richtungen eine geschlossene Kontur entgegenstellt.
Was auf einem kleinen Bild wie ein einfacher Strich aussehen könnte, wird zu einem Gegenstand an einem konkreten Ort. Er besitzt Höhe, Tiefe und unterschiedliche Ausrichtungen. Wer eine solche Skulptur umrundet, verändert das Verhältnis zwischen Fläche und Kante: Die Form erschließt sich nicht von einem einzigen Standpunkt aus.
White Curves: Weiß im Zusammenspiel mit der Landschaft
White Curves, 2001, gehört zur Sammlung der Fondation Beyeler in Riehen. Das Museum beschreibt eine mit Polyurethanfarbe bemalte Aluminiumskulptur von 600 × 335 × 126 cm, die 2002 im Park aufgestellt wurde. Diese Angaben finden sich im Sammlungseintrag.
Die Fotografie zeigt die Skulptur vor der Villa Berower. Wände, Fenster und Rasen geben Anhaltspunkte für ihre Größe. Das Weiß des Werks erscheint nicht überall gleich: Die Ausrichtung der Flächen und das Licht erzeugen unterschiedliche Tonwerte, während die Kurven den Verlauf der Silhouette verändern.
Das Museum dokumentiert außerdem eine 2021 abgeschlossene Restaurierung. Farbe, Oberflächenfinish und Material gehören zu dem, was am Werk erhalten werden muss. Die hier gezeigte Aufnahme von 2015 dokumentiert einen bestimmten Zustand; sie garantiert weder das heutige Erscheinungsbild noch die aktuelle Zugänglichkeit.
Austin: ein Werk im Maßstab eines Gebäudes
Das Projekt Austin führt diese Fragen in einem begehbaren Raum weiter. Von Kelly entworfen und nach seinem Tod fertiggestellt, öffnete das Gebäude 2018 am Blanton Museum of Art der University of Texas in Austin für das Publikum. Das Museum beschreibt farbige Glasfenster, eine Holzskulptur sowie vierzehn schwarz-weiße Marmortafeln.
Das Werk ist mehr als eine Zusammenstellung von Bildern in einem Saal. Formen, Materialien und Licht sind im Maßstab des gesamten Orts organisiert. Der Blick kann von einer Tafel zu einer Öffnung und weiter zu einer durch das Glas projizierten Farbe wandern.
Der Vergleich mit einer Kapelle liegt nahe, doch das Projekt hat keine religiöse Bindung, wie die Darstellung der Stiftung erläutert. Auch die Daten müssen auseinandergehalten werden: Kelly genehmigte den Entwurf zu Lebzeiten; das Publikum konnte das Gebäude erst 2018, nach seinem Tod 2015, kennenlernen.
Was diese Werke unseren Blick lehren können
Kelly lenkt die Aufmerksamkeit auf Unterschiede, die in schnell betrachteten Bildern leicht untergehen. Bevor Sie zahlreiche Deutungen entwickeln, beobachten Sie das Verhältnis einer Form zu ihrer Umgebung. Wirkt eine Tafel auf einer Seite schwerer? Hebt sich eine Kurve von der Wand ab oder scheint sie sich anzulehnen? Verbindet ein leerer Raum zwei Elemente?
Diese Aufmerksamkeit kann weitere Entdeckungen begleiten, ohne jedes geometrische Werk zu einem Erben Kellys zu machen. Bei Mondrian und De Stijl gehört das Verhältnis zwischen Linien und Flächen zu einer anderen Geschichte. Bei Matisse eröffnen Farbe und Schnitt wiederum andere Möglichkeiten. Der Vergleich verdeutlicht Unterschiede ebenso wie Gemeinsamkeiten.
Zwei heutige Entwürfe zum Weitervergleichen
Die folgenden Motive gehören zu unserer Kollektion minimalistischer Wandbilder. Es sind heutige dekorative Entwürfe, keine Werke Kellys und keine Reproduktionen seiner Gemälde.
Das Weiße minimalistische Wandbild verbindet Kreise, Halbkreise und Bögen in gebrochenem Weiß und Beige. Schatten und Materialeffekte gehören zum gedruckten Motiv: Sie dürfen nicht mit einem plastisch ausgearbeiteten Relief auf jedem Exemplar verwechselt werden.
Das Minimalistische Wandbild in Schwarz und Beige setzt stärker auf den Gegensatz zwischen länglichen dunklen Formen, Spitzen und Kreisen. Der Kontrast verändert die Wirkung aus der Entfernung. Achten Sie bei beiden Motiven auf die Anordnung der Formen, statt allein aus dem Etikett „minimalistisch“ eine künstlerische Verwandtschaft abzuleiten.
Häufige Fragen zu Ellsworth Kelly
Warum wird Kelly mit Hard-Edge-Malerei verbunden?
Seine präzisen Konturen und klar abgegrenzten Farbfelder erklären diese Verbindung. Der Begriff hilft, seine Malerei zu beschreiben, muss aber durch die Betrachtung seiner Zeichnungen, Skulpturen und Raumgestaltungen ergänzt werden.
Entstehen seine Formen ausschließlich aus Geometrie?
Die Beobachtung der sichtbaren Welt spielt eine große Rolle: Natur, Architektur, Schatten und ausgewählte Details. Die Abstraktion verwandelt diese Erfahrungen, statt sie unbedingt wiedererkennbar darzustellen.
Wo kann ich mich vor einem Besuch über seine Werke informieren?
Die Ellsworth Kelly Foundation und die Museumskataloge bieten genaue Werkeinträge. Dass sich ein Werk in einer Sammlung befindet, garantiert keine Präsentation im Ausstellungsraum. Unser Leitfaden zu Museen für moderne Kunst erläutert, wie sich das vorab prüfen lässt.
Wurde Austin noch zu Kellys Lebzeiten gebaut?
Kelly entwarf und genehmigte das Projekt vor seinem Tod im Dezember 2015. Das fertige Gebäude öffnete im Februar 2018 für das Publikum. Diese beiden Zeitpunkte dürfen nicht verwechselt werden.
Kellys Kunst verlangt nicht, jede Farbe in ein Symbol zu verwandeln. Sie braucht vor allem etwas Zeit, damit sichtbar wird, was ein Umriss, eine Fläche oder ein Abstand bewirken können. Ein Werk kann aus wenigen Elementen bestehen und sich dennoch verändern, wenn wir unseren Blick bewegen.
Bildnachweis Cover: Fotografie von Jean-Pierre Dalbéra, 2015, unter CC-BY-2.0-Lizenz, beschnitten und in die redaktionelle Gestaltung von Art Virtuoso integriert.