Edvard Munch: sein Leben und Werk jenseits des Schreis

Ein Mann sitzt abseits an einem Strand. Drei Mädchen schauen von einer Brücke ins Wasser. Eine Sonne schickt ihre Strahlen bis an die Ränder der Leinwand. Auch diese Bilder stammen von Munch. Der norwegische Maler hat der Unruhe eine bleibende Form gegeben. Sein Werk lässt aber ebenso Raum für Warten, Kindheit und ein fast überströmendes Licht. Um ihn kennenzulernen, kann sein bekanntestes Bild eine Tür öffnen – anschließend sollte man auch die anderen Räume betreten.

Von Kristiania nach Paris und Berlin: lernen und den eigenen Weg finden

Edvard Munch wird 1863 in Norwegen geboren und wächst in Kristiania, dem heutigen Oslo, auf. Krankheit und Todesfälle in der Familie prägen seine Kindheit. Diese Erfahrungen sind für seinen Weg wichtig, liefern aber keine Erklärung, die sich auf jedes Gemälde kleben ließe: Eine Biografie ersetzt nie das Betrachten der Formen.

Seine Ausbildung führt über das Zeichnen und den Umgang mit Künstlern wie Christian Krohg. 1889 bringt ihn ein Stipendium nach Paris, wo er bei Léon Bonnat lernt. Die Darstellung des Parisaufenthalts durch MUNCH erinnert an diese akademische Ausbildung. Munch konnte eine Figur aufbauen; wenn er später ein Gesicht vereinfacht oder einen Raum verformt, trifft er eine malerische Entscheidung.

In Paris begegnet er auch Ansätzen, die Farbe und Fläche stärker in den Mittelpunkt rücken. Die unter Postimpressionismus versammelten Arbeitsweisen helfen, diesen Kontext zu verorten, ohne Munch zum Schüler einer einzigen Schule zu machen. Sein Weg entsteht aus Ausbildung, Austausch und eigenen Entscheidungen.

1892 löst seine Berliner Ausstellung einen Konflikt aus und schließt nach wenigen Tagen. Gerade diese unruhige Aufnahme trägt jedoch zu seiner Bekanntheit bei. Der Eintrag des Museums Thyssen-Bornemisza zeichnet diese Jahre des Hin und Her nach. Hinter dem bequemen Bild des einsamen Genies steht auch ein Künstler, der ausstellt, reist und mit Zeitgenossen diskutiert.

Der Lebensfries: Bilder im Dialog

Munch bündelt nach und nach mehrere Motive um menschliche Beziehungen. Bei der Ausstellung der Berliner Secession 1902 nimmt diese Arbeit einen wichtigen Platz ein. Heute ist der Zusammenhang als Lebensfries bekannt. Das Musée d’Orsay erläutert die Bedeutung dieser Hängung für den inneren Zusammenhang seines Werks.

Ein Fries bezeichnet gewöhnlich einen langen, fortlaufenden Dekor. Hier treten eigenständige Gemälde durch ihre Nachbarschaft miteinander in Beziehung. Der Blick wechselt von einer Begegnung zu einer Entfernung, von Anwesenheit zu Abwesenheit. Wiederkehrende Umrisse eines Ufers oder einer Silhouette können die Szenen verbinden, ohne ihnen eine einzige Geschichte vorzugeben.

Das Ganze verändert sich: Munch kehrt zu seinen Motiven zurück, bearbeitet sie in anderen Fassungen und lässt sie zwischen den Techniken wandern. Sein Werk lässt sich deshalb als Forschung durch Variationen betrachten. Das Motiv bleibt erkennbar, während eine Farbe, ein Format oder eine andere Nachbarschaft seine Wahrnehmung verändert.

Melancholie: die Landschaft trägt zur Stille bei

In dieser Fassung der Melancholie, im Nasjonalmuseet aufbewahrt und wahrscheinlich auf 1892 datiert, ist die Figur an den unteren rechten Rand gerückt. Der Mann ist uns nah, doch seine Aufmerksamkeit scheint anderswo zu liegen. Weiter hinten befinden sich kleine Gestalten auf einem Steg. Das Bild lässt diesen Abstand spüren, noch bevor wir die Personen zu bestimmen versuchen.

Folgen Sie nun der Uferkurve. Sie durchquert den Raum, umgeht Felsen und führt den Blick in die Tiefe zurück. Für mich liegt die Stärke dieser Komposition in der gebremsten Bewegung: Wir können die Landschaft durchwandern, während der Mann an seinem Platz zu bleiben scheint. Meer und Strand wirken an der Atmosphäre des Bildes mit.

Das Museum verbindet das Motiv mit einer Liebessituation von Jappe Nilssen, einem Freund Munchs, und weist auf mehrere Fassungen hin. Dieser Kontext erhellt das Thema. Er lässt dem Bild dennoch Offenheit: Der Abstand zwischen einem Menschen und einer Gruppe bleibt auch ohne Kenntnis der Namen verständlich.

Die Mädchen auf der Brücke: eine andere Intensität

Mit Die Mädchen auf der Brücke, wahrscheinlich 1901, hellt sich die Palette auf. Weiße, rote und grüne Kleider heben sich vom dunklen Wasser ab. Das Geländer schickt eine Diagonale in die Tiefe; der Weg führt an einem Haus und einem Baum mit breiter Krone entlang. Das Nasjonalmuseet verortet die Szene in Åsgårdstrand an der norwegischen Küste.

Die Mädchen wenden uns den Rücken zu. Das genügt, um ihrer Aufmerksamkeit eine Richtung zu geben: Wir betrachten Menschen, die etwas betrachten. Ein lesbarer Gesichtsausdruck ist nicht nötig, damit die Szene uns hält. Die Nähe der drei Silhouetten und die Wasserfläche erzeugen eine schwebende Zeit.

Vergleichen Sie dieses Bild mit Melancholie. In beiden steht eine Figur oder Gruppe am Wasser. Hier bilden die Kleider jedoch deutliche Farbflächen, und die große Diagonale öffnet einen Weg. Eine vergleichbare Struktur kann eine andere Atmosphäre tragen. Ein guter Grund, die Bilder nebeneinander zu betrachten, statt nach einem Gefühl zu suchen, das ganz Munch zusammenfassen soll.

Die Sonne: im Maßstab einer Wand denken

Die hier reproduzierte Sonne ist eine vorbereitende Fassung von 1910–1911 im Museum MUNCH. Der Eintrag nennt 447 × 775 cm: Selbst die Vorbereitung besitzt monumentale Ausmaße. Davon zu unterscheiden ist das in der Aula, dem Festsaal der Universität Oslo, installierte Gemälde.

Das Aula-Projekt führt zur Installation von elf Gemälden im Jahr 1916. Die von MUNCH veröffentlichten Archivunterlagen zu dieser Ausstattung zeichnen die Etappen eines lange diskutierten Auftrags nach. Der Künstler muss die Stellung der Bilder in der Architektur und ihre Beziehung zu den im Saal versammelten Menschen bedenken.

Auf der gezeigten Leinwand steht die helle Scheibe über dem Meer zwischen zwei felsigen Ufern. Farbige Striche strahlen zu den Rändern. Achten Sie auf ihre Richtung: Sie scheinen das Licht auf uns zuzuführen. Die Felsen geben Halt, während die Strahlen den Raum weiten. Der Kontrast zu den zurückgenommenen Kurven der Melancholie ist eindringlich.

Die Farbe besitzt hier eine Spannweite, die unser Bild des Malers erweitert. In seinem Werk ist genug Platz für eine gedankenversunkene Gestalt ebenso wie für dieses Licht, das beinahe alles einnimmt.

Porträts und Druckgrafik: zu einem Gesicht zurückkehren, ein Bild verändern

Porträts nahestehender Menschen und Selbstporträts begleiten ebenfalls seine Laufbahn. Sie laden ein, die Stellung eines Körpers im Umfeld, das Verhältnis zwischen Gesicht und Hintergrund und die Präsenz der Hände zu beobachten. Die Chronologie des Moderna Museet macht diese Arbeit im Zeitverlauf nachvollziehbar, etwa mit dem Selbstbildnis mit Zigarette von 1895.

Munch arbeitet auch mit der Druckgrafik, also mit Bildern, die von einer Druckform übertragen werden. Der Holzschnitt ermöglicht klare Kontraste und sichtbares Material: Die Holzmaserung geht ins Bild ein. Die National Galleries of Scotland beschreiben seine Versuche, insbesondere zersägte und wieder zusammengesetzte Druckstöcke, mit denen sich Farbbeziehungen verändern lassen.

Ein neuer Abzug kann die Komposition bewahren und dennoch ihr Gleichgewicht verändern. Ein dunklerer Hintergrund rückt Figuren zusammen, eine andere Farbe hebt sie ab. Vergleichen Sie zwei Drucke zuerst nach dem, was bleibt, und suchen Sie dann nach Verschiebungen. Oft erhält das Bild gerade durch diese kleine Veränderung einen neuen Akzent.

1916 zieht Munch nach Ekely bei Oslo. Dort malt er unter anderem die Bäume, Gärten und Pferde seiner Umgebung und arbeitet bis in seine letzten Lebensjahre weiter. Er stirbt 1944. Dieser lange Weg zählt: Die Bilder der 1890er-Jahre bilden nur einen Teil davon, so bekannt sie auch sind.

Wo steht Munch in der Kunstgeschichte?

Munch gehört zum Umfeld des Symbolismus der 1890er-Jahre: Eine sichtbare Szene kann einen inneren Sinn, Unruhe oder eine schwer benennbare Beziehung tragen. Unser Artikel über den Symbolismus und seine Werke erläutert dieses Prinzip anhand mehrerer Künstler.

Er ist außerdem ein wesentlicher Wegbereiter des Expressionismus. Farbe, Kontur und Raum gewinnen bei ihm eine Ausdruckskraft jenseits der getreuen Ortsbeschreibung. Um diese Verbindung einzuordnen, ohne Epochen zu vermischen, bietet der Ratgeber zum Expressionismus, seinen Künstlern und Werken ergänzende Anhaltspunkte.

Der Schrei verdient eine eigene Betrachtung. Die Analyse von Munchs Schrei untersucht Komposition, Fassungen und Bedeutung. Hier bleibt er ein Einstieg in ein wesentlich umfangreicheres Werk.

Ein Bild von Munch und eine heutige Neuinterpretation

Der Katalog bietet eine heutige, vom Schrei inspirierte Neuinterpretation, keine getreue Reproduktion mit Munchs Signatur. In Der bunte Schrei – Erstaunen in Aquarell umgeben Koralle, Gelb und Blau die frontale Figur. Lasuren und Bäume verändern die Atmosphäre des Motivs deutlich.

Das zeigt sich auch im vorgestellten Raum: Über einem Schreibtisch in Brauntönen setzt das Bild einen kräftigen Akzent. Die Kollektion bunter moderner Bilder führt diesen dekorativen Ansatz mit anderen heutigen Paletten fort. Sie versammelt Kataloggestaltungen, keine Originalwerke von Munch.

Kehren Sie zum Kennenlernen des Malers zu den drei gezeigten Werken zurück. Folgen Sie dem Ufer, dem Geländer und dann den Sonnenstrahlen. So durchqueren Sie sehr unterschiedliche Räume mit demselben Werkzeug: einer Linie, die den Blick führt und ihm eine Stimmung gibt.

Dokumentarische Orientierung

• Biografie: Chronologie von MUNCH, 1863–1944.
• Lebensfries: Vorstellung der Ausstellung im Musée d’Orsay.
• Gezeigte Werke: Einträge des Nasjonalmuseet und von MUNCH, unter jedem Bild verlinkt. Die Angaben „wahrscheinlich“ und „vorbereitende Fassung“ bewahren die Unterscheidungen der Kataloge.