Francisco de Goya: Leben, Werke und moderner Blick

Goya konnte die Seide eines königlichen Kleides malen und das Weiß eines Hemdes unmittelbar vor den Schüssen eines Erschießungskommandos. Er kannte das Lächeln des Hofes, von Angst verzerrte Gesichter, Esel in Menschenkleidern und Götter, die ihre Kinder verschlingen.

Diese Spannweite erklärt, warum er so oft an die Schwelle zweier Welten gestellt wird. Er war Hofmaler und Zeuge der Gewalt seiner Zeit, Erbe von Velázquez und Vorläufer Manets, satirischer Grafiker und Schöpfer privater Bilder, deren Dunkel noch feucht zu sein scheint.

Das Wichtigste: Francisco de Goya wurde 1746 in Fuendetodos in Aragonien geboren und starb 1828 in Bordeaux. Er wurde Hofmaler in Spanien und schuf Kartons für Tapisserien, Porträts des Adels, religiöse Gemälde und große Historienbilder. Eine schwere Krankheit ließ ihn Anfang der 1790er-Jahre ertauben. Seine Druckfolgen — Los Caprichos, Die Schrecken des Krieges, La Tauromaquia und Los Disparates — untersuchen Aberglauben, Gewalt und Machtverhältnisse. Mit den Schwarzen Gemälden wurde er zu einem bedeutenden Wegbereiter der modernen Kunst.

Francisco de Goya: wichtige Daten

Datum	Station
1746	Geburt in Fuendetodos bei Saragossa
1760er-Jahre	Ausbildung in Saragossa, anschließend Aufenthalt in Italien
1775	Beginn der Kartons für die Königliche Tapisseriemanufaktur
1780	Aufnahme in die Königliche Akademie von San Fernando
1789	Ernennung zum Hofmaler des Königs
1792–1793	schwere Krankheit mit dauerhafter Taubheit
1799	Veröffentlichung der achtzig Blätter der Caprichos
1808	napoleonische Invasion und Spanischer Unabhängigkeitskrieg
1814	Entstehung von Der zweite Mai 1808 und Der dritte Mai 1808
um 1819–1823	Schwarze Gemälde in der Quinta del Sordo
1824	Übersiedlung nach Bordeaux
1828	Tod in Bordeaux

Ausbildung zwischen Saragossa, Madrid und Italien

Francisco José de Goya y Lucientes wurde am 30. März 1746 geboren. Sein Vater war Vergolder. Dieses Handwerk brachte den jungen Künstler früh mit Altären, Rahmen und kirchlichen Aufträgen in Berührung, bei denen mehrere Künste zusammenwirkten.

Er lernte in Saragossa bei José Luzán. Seine ersten Versuche, einen Preis der Akademie von San Fernando zu gewinnen, blieben erfolglos — ein tröstliches Detail für alle, die meinen, eine große Karriere müsse mit einer überwältigten Jury beginnen.

Goya reiste um 1769–1771 nach Italien, studierte die Meister und nahm an einem Wettbewerb in Parma teil. Nach seiner Rückkehr nach Aragonien erhielt er religiöse Aufträge, unter anderem für die Basílica del Pilar.

Die Heirat mit Josefa Bayeu im Jahr 1773 brachte ihn einer am Hof gut vernetzten Malerfamilie näher. Sein Schwager Francisco Bayeu spielte eine wichtige Rolle bei seinem Eintritt in die königlichen Werkstätten.

Die Tapisseriekartons: lernen, eine Szene zu beleben

Ab 1775 entwarf Goya Kartons, die als großformatige Vorlagen für Tapisserien in königlichen Residenzen dienten.

„Karton“ bezeichnet hier keine beiläufige Skizze. Es handelt sich um große Gemälde im Maßstab, die in Wolle und Seide übertragen werden sollten.

Goya zeigte beliebte Vergnügungen und Typen des Alltags: Picknick, Blindekuh, Tanz, Sonnenschirm, Händler und Kinder. Die Farben sind hell, die Silhouetten klar lesbar, die Kompositionen an die Bedingungen des Webens angepasst.

Doch die Szenen sind nicht bloß gefällig. In Der verletzte Maurer oder Der Schneesturm dringen Arbeit, Kälte und Verletzlichkeit in die fürstliche Ausstattung ein.

In dieser Zeit lernte er, Gruppen zu ordnen, Gesten durch eine Komposition zu führen und ein Thema unmittelbar verständlich zu machen. Seine späteren, dunkleren Werke bewahrten diese Wirksamkeit.

Goya als Hofmaler: schmeicheln, ohne den Blick einzuschläfern

Goya wurde Maler König Karls III. und später Hofmaler unter Karl IV. Er porträtierte die königliche Familie, den Adel, Intellektuelle und Freunde.

Seine Porträts schildern Stoffe meisterhaft: Bänder, Samt, Spitze, Orden und gepudertes Haar. Dennoch lösen sich die Gesichter nicht in Schmeichelei auf.

In Die Familie Karls IV. nehmen der König und seine Angehörigen den Raum wie auf einer Bühne ein. Die Stoffe glänzen, doch jede Physiognomie behält eine bisweilen wenig idealisierte Eigenheit. Goya stellte sich im Hintergrund vor einer großen Leinwand dar — ein deutlicher Widerhall von Velázquez’ Las Meninas.

Das Gemälde erfüllt somit mehrere Aufgaben zugleich:

• die dynastische Kontinuität behaupten;
• Zeichen des Ranges zeigen;
• die Meisterschaft des Malers vorführen;
• Präsenzen so genau festhalten, dass sie dem Protokoll widerstehen.

Goya karikierte nicht heimlich den gesamten Hof. Diese Lesart ist verführerisch, vereinfacht jedoch ein komplexes Berufsverhältnis. Er konnte der Macht dienen und einen unabhängigen Blick bewahren, ohne jedes königliche Kinn in verschlüsselte Satire zu verwandeln.

Krankheit und Taubheit

Ende 1792 erkrankte Goya während eines Aufenthalts in Andalusien schwer. Er litt unter erheblichen Beschwerden und blieb dauerhaft taub.

Die genaue Art der Krankheit ist umstritten. Verschiedene Diagnosen wurden vorgeschlagen, doch keine lässt sich rückblickend sicher stellen. „Er hatte diese Krankheit“ klingt eindeutiger als die Quellenlage, ist aber weniger genau.

Die Taubheit veränderte sein gesellschaftliches Leben und seine Kommunikation. Zugleich vertiefte er seine Arbeit an Zeichnungen, kleinen Gemälden und Druckgrafik.

Zu vermeiden ist jedoch die bequeme Erzählung, die Krankheit „erkläre“ allein jede Dunkelheit. Goya lebte in den Spannungen des aufgeklärten Spanien, der Inquisition, politischer Umbrüche und bald des Krieges. Seine Vorstellungskraft war kein Symptom.

Los Caprichos: wenn Satire auf Albtraum trifft

1799 bot Goya eine Folge von achtzig Drucken unter dem Titel Los Caprichos zum Verkauf an. Radierung und Aquatinta erlaubten ihm, Linien, dunkle Flächen und samtige Tonwerte zu verbinden.

Die Folge greift an oder legt offen:

• Zweckheiraten;
• Unwissen und Aberglauben;
• Prostitution und Ausbeutung;
• gesellschaftliche Eitelkeit;
• Missstände in Klerus und Erziehung;
• Umkehrungen, in denen Esel über Menschen herrschen.

Die knappen Bildunterschriften legen die Bedeutung nicht fest. Sie wirken wie Nadelstiche.

Blatt 43 zeigt einen Künstler, der an seinem Tisch eingeschlafen ist, umgeben von Eulen, Fledermäusen und anderen Wesen. Sein Titel wurde zu einer universellen Formel:

„Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer.“ — Francisco de Goya, Los Caprichos, Blatt 43, Museo del Prado

Der Satz besagt nicht zwingend, dass die Vernunft die Fantasie unterdrücken müsse. Historische Kommentare verweisen vielmehr auf ihr notwendiges Zusammenspiel: Ohne Vernunft wird die Fantasie ungeheuerlich; ohne Vorstellungskraft erlischt die Kunst.

Die bekleidete und die nackte Maja: Blick, Modell und Verbot

Die nackte Maja und Die bekleidete Maja zeigen vermutlich dasselbe Modell in nahezu gleicher Haltung. Die Identität der Frau ist nicht zweifelsfrei geklärt.

Die Nacktheit wird nicht als mythologische Venus verkleidet. Das Modell blickt den Betrachter direkt an, die Arme hinter dem Kopf. Diese Offenheit erklärt zum Teil den Skandalcharakter des Werkes im damaligen Spanien.

Die Bilder gehörten Manuel Godoy, dem mächtigen Minister Karls IV. Sie wurden von der Inquisition beschlagnahmt und untersucht; Goya wurde verhört.

Das Bildpaar zwingt zum Vergleich des bekleideten und des nackten Körpers, ohne dass sich das eine zur verborgenen Wahrheit des anderen erklären ließe. Kleidung verdeckt nicht nur: Sie verändert Oberfläche, Farbe und Art des Blicks.

Der Spanische Unabhängigkeitskrieg: kein sauberer Sieg

1808 besetzten Napoleons Truppen Spanien. Der Madrider Aufstand vom 2. Mai wurde niedergeschlagen. Der folgende Krieg verband Armeen, Guerillakampf, Hunger, Vergeltung und politische Krise.

Goya durchlebte diese Zeit in einer schwierigen Lage. Er arbeitete unter wechselnden Mächten weiter und wurde später zu seinen Beziehungen zum Regime Joseph Bonapartes befragt.

Seine stärksten Bilder verweigern dennoch die beruhigende Erzählung eines sauberen, heroischen Krieges.

Der zweite Mai 1808

Das Gemälde zeigt den Straßenkampf in Madrid gegen die Mamelucken der kaiserlichen Garde. Körper, Pferde, Säbel und Blicke bilden einen Knoten ohne stabiles Zentrum.

Die Gewalt ist nicht wie eine Parade gerahmt. Sie bricht auf der Höhe der Figuren aus.

Der dritte Mai 1808

In Der dritte Mai 1808 sehen wir eine Gruppe französischer Soldaten von hinten, wie eine Maschine ausgerichtet. Ihnen gegenüber hebt ein Mann im weißen Hemd die Arme. Eine Laterne am Boden beleuchtet die Verurteilten und die Toten.

Die Haltung des Mannes erinnert an eine Kreuzigung, ohne die Szene in einen geistlichen Sieg zu verwandeln. Blut, das verborgene Gesicht eines Toten und die Reihe der Gefangenen machen deutlich, dass die Erschießungen weitergehen werden.

Der Realismus in der Malerei entwickelte sich erst später als Bewegung. Goya vollbrachte hier jedoch etwas Entscheidendes: Er gab einem zeitgenössischen Ereignis Format und Gewicht der großen Historienmalerei, ohne es zu idealisieren.

Die Schrecken des Krieges: Zeugnis ohne Spektakel

Etwa zwischen 1810 und 1820 arbeitete Goya an einer Druckfolge, die heute Die Schrecken des Krieges genannt wird. Sie erschien erst 1863, lange nach seinem Tod.

Die Blätter zeigen Hinrichtungen, Verstümmelung, Hunger, Vergewaltigung, Flucht und liegen gelassene Körper. Die Beschriftungen sind knapp: „Dies ist schlimmer“, „Warum?“, „Man kann nicht hinsehen“, „Und auch dies“.

Die Bilder verteilen die Rollen nicht immer nach einer einfachen nationalen Propaganda. Franzosen und Spanier, Soldaten und Zivilisten können Opfer oder Täter sein. Konstant bleibt der Körper, der einer ihn verneinenden Gewalt unterworfen wird.

Blatt 44 trägt drei Worte:

„Ich habe es gesehen.“ — Francisco de Goya, Die Schrecken des Krieges, Blatt 44, The Met

Die Beschriftung beansprucht den Wert eines Zeugnisses, ohne zu beweisen, dass jede Szene unmittelbar beobachtet wurde. Goya verwandelte Erlebtes, Berichtetes und Vorgestelltes in eine umfassendere visuelle Wahrheit: das, was Krieg Menschen antut.

Saturn verschlingt seinen Sohn und die Schwarzen Gemälde

Um 1819 zog Goya in ein Haus bei Madrid, die Quinta del Sordo — das „Haus des Tauben“. Der Name bestand bereits vor seinem Einzug und bezog sich daher nicht notwendigerweise auf ihn.

Er malte vierzehn Werke direkt auf die Wände. Heute als Schwarze Gemälde bekannt, waren sie nicht für eine öffentliche Ausstellung bestimmt.

Zu ihnen gehören:

• Saturn verschlingt seinen Sohn;
• Hexensabbat;
• Zwei alte Männer essen Suppe;
• Wallfahrt zur Quelle von San Isidro;
• Der Hund;
• Kampf mit Knüppeln.

Saturn zeigt den Gott, wie er einen bereits verstümmelten Körper umklammert. Seine Augen sind aufgerissen, der Hintergrund beinahe leer, die Malweise schroff. Anders als geordnetere Fassungen des Mythos gewährt das Bild dem Betrachter kaum Schutz durch allegorische Distanz.

Im 19. Jahrhundert wurden die Gemälde auf Leinwand übertragen. Dieser Eingriff veränderte ihren Träger und könnte auch ihr Aussehen beeinflusst haben. Wir kennen sie daher als Werke, die aus der privaten Architektur entfernt wurden, für die sie entstanden waren.

Der Hund: fast nichts und dennoch Gegenwart

In Der Hund taucht ein kleiner Kopf hinter einer großen ockerfarbenen Schräge auf. Der Rest ist Raum.

Wir wissen weder genau, was der Hund ansieht, noch was die Masse vor ihm darstellt. Das Bild wurde als Darstellung von Einsamkeit, Warten, Ertrinken oder Kampf gedeutet.

Seine Modernität liegt vielleicht in dieser Weigerung, genauer zu werden. Das Motiv nimmt nur einen kleinen Teil der Fläche ein; die unverhältnismäßige Leere wird zum Hauptereignis.

Goya kündigte die Abstraktion des 20. Jahrhunderts nicht wie ein Prophet mit Kalender an. Er zeigte jedoch, dass eine Komposition von einem beinahe nackten Verhältnis der Massen getragen werden kann.

War Goya ein Romantiker?

Er ging der Romantik voraus und nährte sie, ohne sich in ein einziges Etikett einordnen zu lassen.

Seine historischen Dramen, Visionen, die Freiheit des Pinselstrichs und sein Interesse an irrationalen Kräften sprachen die Romantiker an. Delacroix bewunderte seine Grafik. Später fanden auch Manet, Picasso, die Expressionisten und die Surrealisten Anregungen in seinem Werk.

Die Bezeichnung „erster moderner Künstler“ kann seine Stellung als Erneuerer verdeutlichen. Sie sollte jedoch weder das spanische 18. Jahrhundert noch Aufklärung, Hof und grafische Traditionen ausblenden, aus denen er hervorging.

Goya ist gerade deshalb modern, weil er seine Zeit nicht verließ. Er blickte sie so lange an, bis sie schwer zu ertragen war.

Sein Erbe zeigt sich mit besonderer Kraft bei Pablo Picasso. Dessen Guernica greift die Frage wieder auf, wie historische Gewalt sichtbar werden kann, ohne zu einer konventionellen Heldenszene zu werden.

Die letzten Jahre in Bordeaux

1824 erhielt Goya die Erlaubnis, Spanien zu verlassen, und ließ sich in Bordeaux nieder, wo weitere liberale Exilanten lebten.

Trotz seines Alters und seiner angegriffenen Gesundheit zeichnete, malte und experimentierte er weiter. Er beschäftigte sich mit Lithografie und schuf unter anderem die Folge der Stiere von Bordeaux.

Er starb am 16. April 1828. Seine Gebeine wurden später nach Madrid in die von ihm mit Fresken ausgestattete Kapelle San Antonio de la Florida überführt.

Die Jahre in Bordeaux korrigieren das Bild eines ausschließlich im Dunkel eingeschlossenen Goya. Bis zuletzt beobachtete er Straßen, Körper, Bewegung und neue Techniken.

Welches sind Goyas berühmteste Werke?

Ein erster Rundgang könnte umfassen:

1. Der Sonnenschirm — die Zeit der Tapisseriekartons;
2. Die Familie Karls IV. — das Hofporträt;
3. Die nackte Maja und Die bekleidete Maja — Blick und Verbot;
4. Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer — die Caprichos;
5. Der zweite Mai 1808 — der Kampf;
6. Der dritte Mai 1808 — die Hinrichtung;
7. Die Schrecken des Krieges — Gewalt ohne Heroisierung;
8. Saturn verschlingt seinen Sohn — die Schwarzen Gemälde;
9. Der Hund — die Leere als Kraft;
10. die Selbstbildnisse — das Gesicht des Künstlers im Lauf der Zeit.

Die Liste macht eine Konstante sichtbar: Goya wechselte Medium und Publikum, behielt aber ein scharfes Gespür dafür, wie Macht auf Körper einwirkt.

Häufige Fragen

Welches ist Goyas bekanntestes Werk?

Der dritte Mai 1808 in Madrid und Saturn verschlingt seinen Sohn zählen zu seinen berühmtesten Gemälden. Auch die Grafik Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer wurde zu einem universellen Bild.

Welche Krankheit hatte Goya?

Goya erkrankte 1792–1793 schwer und blieb taub. Nach seinem Tod wurden verschiedene Diagnosen vorgeschlagen, doch keine ist sicher. Genauer ist es, von einer nicht identifizierten Krankheit mit dauerhafter Taubheit zu sprechen.

Warum gilt Goya als modern?

Weil er die Gegenwart ohne Idealisierung behandelte, das Irrationale erkundete, Farbe und Druckgrafik frei einsetzte, Institutionen kritisierte und Gewalt aus der Perspektive der Opfer zeigte. Sein Einfluss reicht zu Manet, Picasso und dem Expressionismus.

Wie viele Bilder malte Goya?

Die genaue Zahl hängt von Zuschreibungen, verlorenen Werken und den einbezogenen Gattungen ab. Der Prado bewahrt oder dokumentiert mehr als tausend Werke und zugehörige Dokumente, darunter Gemälde, Zeichnungen, Drucke und Archivalien. Eine endgültige Zahl sollte vermieden werden.

War Goya Hofmaler?

Ja. 1789 wurde er Hofmaler und 1799 Erster Hofmaler. Diese Stellung hinderte ihn nicht daran, in seiner Grafik Missstände der Gesellschaft zu kritisieren.

Wo kann man Werke von Goya sehen?

Das Museo del Prado in Madrid besitzt den bedeutendsten Bestand. Werke befinden sich auch in der Real Academia de San Fernando, im Metropolitan Museum of Art, in der National Gallery of Art und in weiteren internationalen Sammlungen. Die Fresken von San Antonio de la Florida sind in Madrid zu sehen.

Der Maler, der nicht wegschaut

Goya ist nicht nur dunkel. Seine frühen Farben, Porträts, Menschenzeichnungen und späten Lithografien enthalten Humor, Zärtlichkeit und Bewegung.

Doch er besaß eine seltene Fähigkeit: Er wusste, wann Eleganz zur Lüge wurde. Vor Krieg, Aberglauben oder Angst entfernte er alles, was eine Szene aus der Distanz erträglich gemacht hätte.

Übrig bleiben eine Laterne am Boden, ein weißes Hemd, drei Worte unter einer Grafik oder ein Hundekopf in zu viel Raum. Wenig. Genug, damit der Blick nicht mehr behaupten kann, nichts gesehen zu haben.

Goya erinnert daran, dass sich ein Kunstwerk nicht durch die Fähigkeit definiert, sein Thema zu verschönern. Es kann auch dem eine dauerhafte Form geben, was eine Epoche lieber vergessen würde.

Quellen und weiterführende Hinweise

• Museo Nacional del Prado — Francisco de Goya
• Museo Nacional del Prado — Der dritte Mai 1808
• Museo Nacional del Prado — Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer
• Museo Nacional del Prado — Saturn verschlingt seinen Sohn
• The Metropolitan Museum of Art — Goya und die spanische Aufklärung
• The Metropolitan Museum of Art — Goya’s Graphic Imagination