Abstrakte Kunst : Definition, Ursprünge und Entwicklung

Meine Damen und Herren, machen Sie sich bereit, in die faszinierende Welt der abstrakten Kunst einzutauchen! Diese revolutionäre Bewegung hat die Kunstwelt in ein Kaleidoskop aus Emotionen und Ideen verwandelt.

Was ist abstrakte Kunst? Eine klare und prägnante Definition

Die abstrakte Kunst ist eine Kunstbewegung, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstand und sich durch die Verwendung von Formen, Farben und Linien zur Schaffung von Kompositionen auszeichnet, die die sichtbare Realität nicht direkt darstellen. Anstatt die Außenwelt getreu abzubilden, versuchen abstrakte Künstler, Emotionen, Ideen oder Konzepte durch nicht-figurative visuelle Elemente auszudrücken.

Wie der Kunstkritiker Michel Seuphor so treffend sagte: „Abstrakte Kunst ist alle Kunst, die keinerlei Erinnerung und keinerlei Evokation der beobachteten Realität enthält, gleichgültig, ob diese Realität der Ausgangspunkt des Künstlers ist oder nicht." Es ist, als hätte die Malerei beschlossen, ihre Pubertät damit zu verbringen, der Figuration lautstark „Nein!" zu sagen – aber mit viel mehr Stil und Tiefe.

Die Ursprünge der abstrakten Kunst: Eine Malerische Revolution

Die Geschichte der abstrakten Kunst beginnt zu Beginn des 20. Jahrhunderts, in einem Kontext tiefgreifender gesellschaftlicher, wissenschaftlicher und kultureller Umbrüche. Die von diesen Veränderungen beeinflussten Künstler begannen, traditionelle künstlerische Konventionen in Frage zu stellen.

Die Pioniere der Abstraktion: Die Architekten einer neuen Vision

Drei Künstler spielten eine entscheidende Rolle beim Aufkommen der abstrakten Kunst:

• Wassily Kandinsky (1866–1944): Oft als Vater der abstrakten Kunst bezeichnet, theoretisierte Kandinsky die Verbindung zwischen Kunst und Spiritualität. In seinem grundlegenden Werk „Über das Geistige in der Kunst" (1911) schrieb er: „Die Farbe ist die Taste. Das Auge ist der Hammer. Die Seele ist das Klavier mit den vielen Saiten." Sein Werk „Komposition VII" (1913) ist ein perfektes Beispiel seiner Theorie in der Praxis, eine visuelle Symphonie aus Farben und Formen.
• Piet Mondrian (1872–1944): Mondrian entwickelte den Neoplastizismus und reduzierte die Kunst auf ihre grundlegendsten Elemente. Seine Entwicklung zur Abstraktion ist in Werken wie „Blühender Apfelbaum" (1912) und „Komposition in Rot, Blau und Gelb" (1930) sichtbar. Mondrian erklärte: „Kunst sollte nicht figurativ sein. Kunst sollte völlig abstrakt sein."
• Kasimir Malewitsch (1879–1935): Mit seinem „Schwarzen Quadrat auf weißem Grund" (1915) trieb Malewitsch die Abstraktion auf die Spitze. Er beschrieb seinen Ansatz, den Suprematismus, als „die Vorherrschaft des reinen Gefühls in der schöpferischen Kunst." Dieses ikonische Werk, in der Tretjakow-Galerie in Moskau ausgestellt, bleibt ein mächtiges Symbol der Radikalität der abstrakten Kunst.

Die Entwicklung der abstrakten Kunst: Eine Reise durch die Bewegungen

Die abstrakte Kunst entwickelte sich durch mehrere unterschiedliche Bewegungen, von denen jede ihre eigene Interpretation der Abstraktion mitbrachte:

Vom Kubismus zur Abstraktion: Die ersten Schritte

Der Kubismus, entwickelt von Pablo Picasso und Georges Braque um 1907, war ein entscheidender Vorläufer der Abstraktion. Indem er Objekte in geometrische Formen zerlegte und mehrere Perspektiven gleichzeitig darstellte, ebnete der Kubismus den Weg zu einer abstrakteren Darstellung der Welt. Wie Picasso sagte: „Es gibt keine abstrakte Kunst. Man muss immer mit etwas beginnen. Danach kann man allen Anschein von Realität entfernen."

Der Abstrakte Expressionismus: Reine Emotion auf der Leinwand

In den 1940er und 1950er Jahren entstand der abstrakte Expressionismus in den USA. Diese Bewegung, vertreten durch Künstler wie Jackson Pollock, Willem de Kooning und Mark Rothko, konzentrierte sich auf spontanen Ausdruck und reine Emotion. Pollocks „Dripping"-Technik, sichtbar in Werken wie „Lavender Mist" (1950), verkörpert diesen Ansatz perfekt. Wie der Kritiker Clement Greenberg erklärte: „Der abstrakte Expressionismus war ein Bemühen, eine reine und autonome Kunst zu schaffen, befreit von jeder Referenz an die Außenwelt."

Die Geometrische Abstraktion: Die Präzision der Formen

Parallel dazu entwickelte sich die geometrische Abstraktion mit Künstlern wie Josef Albers und Ellsworth Kelly. Diese Bewegung zeichnet sich durch die Verwendung präziser geometrischer Formen und durchdachter Farbkombinationen aus. Albers' Werk „Hommage an das Quadrat" (Serie ab 1950) ist emblematisch für diesen Ansatz und erforscht die Wechselwirkungen zwischen Farben durch einfache, aber kraftvolle Kompositionen.

Die Wirkung der abstrakten Kunst: Ein dauerhafter Einfluss

Das abstrakte Gemälde hat unsere Art, Kunst wahrzunehmen und zu verstehen, tiefgreifend beeinflusst. Es hat uns gelehrt, über die Oberfläche hinaus zu sehen und den verborgenen Sinn hinter Formen und Farben zu suchen.

Abstrakte Kunst in der modernen Welt: Eine allgegenwärtige Präsenz

Heute macht sich der Einfluss der abstrakten Kunst weit über Kunstgalerien hinaus bemerkbar. Man findet ihn im Design, in der Architektur, in der Mode und sogar in unseren alltäglichen Gegenständen. Zeitgenössische Künstler wie Gerhard Richter und Bridget Riley erforschen weiterhin die Möglichkeiten der Abstraktion und beweisen, dass diese Bewegung noch lange nicht beendet ist.

Bei einem kürzlichen Besuch im Centre Pompidou war ich von der zeitlosen Kraft abstrakter Werke beeindruckt. Vor einem riesigen Rothko sah ich Besucher lange Minuten reglos stehen, wie hypnotisiert von den Farbfeldern. Das ist die ganze Magie der lyrischen Abstraktion: ihre Fähigkeit, die Seele des Betrachters direkt zu berühren, ohne den Filter der Darstellung.

Abstrakte Kunst – Eine Einladung, anders zu sehen

Abstrakte Kunst ist weit mehr als ein bloßer Kunststil. Sie ist eine Einladung, die Welt anders zu sehen und Emotionen und Ideen jenseits des Sichtbaren zu erkunden. Wie Paul Klee, ein weiterer Pionier der Abstraktion, so treffend sagte: „Kunst gibt nicht das Sichtbare wieder, sondern macht sichtbar."

Das nächste Mal also, wenn Sie vor einer abstrakten Leinwand stehen, versuchen Sie nicht, zu „verstehen", was Sie sehen. Lassen Sie sich lieber von den Farben mitreißen, verlieren Sie sich in den Formen. Wer weiß? Sie könnten dabei eine ganze Welt entdecken, die Sie zuvor noch nie gesehen hatten.

Lust, abstrakte Kunst zu erkunden?

Wenn dieser Artikel Ihre Neugier auf abstrakte Kunst geweckt hat, hier einige Ideen zur Vertiefung Ihrer Erkundung:

• Besuchen Sie das Centre Pompidou in Paris, das eine beeindruckende Sammlung abstrakter Kunst beherbergt, darunter bedeutende Werke von Kandinsky und Mondrian.
• Erkunden Sie die Online-Sammlung des MoMA (Museum of Modern Art) in New York, die eine umfangreiche Auswahl abstrakter Werke mit ausführlichen Erklärungen bietet.
• Lesen Sie „Über das Geistige in der Kunst" von Kandinsky, um die Theorie hinter der abstrakten Kunst direkt von einem ihrer Pioniere zu verstehen.
• Nehmen Sie an einem Workshop für abstrakte Kunst in Ihrer Stadt teil, um den kreativen Prozess selbst zu erleben.

Denken Sie daran: Abstrakte Kunst ist eine persönliche Reise. Was zählt, ist nicht alles zu verstehen, sondern zu fühlen. Also öffnen Sie Augen und Herz weit und lassen Sie die Magie der Abstraktion wirken!

Quellen und Weiterführende Lektüre

• Kandinsky, Wassily. Über das Geistige in der Kunst, insbesondere in der Malerei. Piper, 2004.
• Ragon, Michel. L'Aventure de l'art abstrait. Robert Laffont, 1956.
• Seuphor, Michel. L'Art abstrait. Maeght Éditeur, 1971–1974.
• Vallier, Dora. L'Art abstrait. Hachette, 2012.
• Worringer, Wilhelm. Abstraktion und Einfühlung. Piper, 1981.
• Greenberg, Clement. Art und Kultur. Macula, 1988.
• Foster, Hal et al. Art Since 1900: Modernism, Antimodernism, Postmodernism. Thames & Hudson, 2004.